Nació a las ocho de la noche del 8 de Agosto de 1908, en las calles de Zarco, colonia Guerrero, México, D.F. Toda su vida giró alrededor del número ocho; según él, era el signo de su nacimiento. Hijo de familia acomodada y muy distinguida, su padre ocupó un alto nivel en Correos y Telégrafos. Tenía además gran gusto y facilidad para escribir poesía. Iba recopilando sus versos en manuscritos encuadernados con tapas de seda. Estos libros se conservan en su estudio. Su madre, Doña Ana María, de origen español, tuvo cuatro hijos: Ana María, Margarita, María Luisa y Alfredo, que era el menor y único varón.

Desde niño tuvo inclinación por la música. A la edad de siete años, el día de su santo pidió que le regalaran un violín, lo cual hicieron, pero también contrataron al maestro Rocabruna para que le diera clases. Al poco tiempo demostró su dedicación, al grado de que lejos de cansarse, prefería ensayar y practicar, en lugar de salir a jugar. A la dad de doce años compuso su primera canción, fue en una ocasión que lo llevaron del colegio a una excursión a Toluca; ahí, al contemplar el nevado de Toluca, quedó absorto, y ante esa maravilla nació su canción “La Leyenda del Nevado”. A los diecisiete años de edad se fue de gira a Atlanta, Estados Unidos, con la orquesta de Miguel Lerdo de Tejada, sin el consentimiento de su madre. Su padre había fallecido cuando él tenía ocho años. Al terminar la gira se quedó en Atlanta, y de allí se dirigió a Nueva York, con el propósito de continuar sus estudios musicales.

Trabajó para poder vivir y costear sus clases. Comenzó en cines tocando piano y órgano para acompañar la proyección de las películas, que en aquél tiempo eran mudas. El improvisaba cada vez algo diferente, sin ajustarse ni leer la música escrita que enviaban con cada cinta. El dueño del cine le decía “Qué bonita música trajeron ahora para las películas, ¿verdad?” Se inscribió en el sindicato de músicos de la ciudad de Jersey, local 526. Continuó sus estudios, y para titularse de maestro tenía que dominar piano y violín, su especialización fue en este último. Su carrera iba en ascenso día con día; entró en el conjunto “Ruso Gitano” en Nueva York, después trabajó en un barco de matrícula alemana, que hacía el recorrido a Miami. De ahí pasó al Hotel Beverly Terrace, un lugar de ensueño a la orilla del mar. Sam Getz, conocido hombre de negocios lo contrató para actuar en el Club Mirador, de Nueva York, donde alternó con los bailarines Moss y Fontana y con la orquesta de Johny Johnson.

En Nueva York conoció a Lyna Boytler, esposa de Arcady Boytler, ambos rusos de nacimiento. Ella cantaba en la calle 46. Al escuchar a Alfredo y su conjunto los contrató para acompañarla, lo que hicieron durante mucho tiempo. Por motivo de negocios Arcady Boytler vino a México, y con él su esposa. Una vez aquí, le ofrecieron a Lyna una serie de programas en la XEW. Ella aceptó con la única condición de que trajeran a Alfredo de Nueva York para acompañarla, ya que él conocía perfectamente su repertorio. Así fue como regresó a México Alfredo Núnez de Borbón, en 1936, contaba con veintiocho años de edad, y otra vez el ocho estaba presente en ese momento tan importante de su vida.

Integró una orquesta que tuvo mucho éxito y que fue una de las más solicitadas en México. Formó parte del elenco de la XEW, interviniendo en programas como La Hora Azul, Medias Kaiser, Mueblería Nueva, Joyería La Princesa, etc.

Contemporáneo de Gonzalo Curiel y Agustín Lara, formaban un grupo privilegiado en una época llena de romanticismo. En un programa de radio acompañó con su violín a Agustín Lara, y en otro a Gabilondo Soler. Actuó en varios programas con su orquesta y su música; así como en los mejores centros nocturnos; ejemplos, “Casanova”, “Ciros”, “Café de París”, “El Patio”, etc.

Alfredo Núñez de Borbón compuso boleros, canciones tropicales, pasos dobles, canciones rancheras, etc. Se le conocía como “El Caballero Mexicano de la Canción Romántica”.

Una anécdota narra que en una ocasión que se grababa un programa en el canal 4, se interpretaron varias de sus canciones. “Siempreviva” iba a ser cantada por Emilio Tuero, pero no pudo llegar. Para no perder la oportunidad, Alfredo la cantó en el programa. Más tarde, un amigo que escuchó la canción, pero sin haber visto la imagen le dijo: “Qué bonita canción, está preciosa, lástima que el que te la grabó tiene una voz horrorosa”.

Recibió muchos reconocimientos por su destacada labor; entre ellos, el Testimonio de la Sociedad de Autores y Compositores de Música (SACM), como Socio Fundador, en 1971. Asimismo, recibió preseas de la Promotora Hispanoamericana de Música (PHAM), y de la Editorial Mexicana de Música Internacional, 1971, en el Jubileo de Oro del Disco Mexicano, y en 1978, por sus canciones. También fue recordado en el “Álbum del Recuerdo”, en XEW, en 1958. La “Cadena Latinoamericana de Comentaristas”, en 1965. El Club de Golf Acapulco, en 1968. La medalla del Festival Internacional Agustín Lara, como Socio Fundador de la SACM, en 1972, etc.

Su mayor satisfacción fue que se formara el Club de Amigos de Alfredo Núñez de Borbón, más de trescientas personas, que se reunían una vez al mes para festejarlo. Sus principales pasatiempos fueron jugar billar, nadar, viajar, ver cine, y sobre todo, su música y sus canciones. Alfredo Núñez de Borbón falleció el 10 de Diciembre de 1979, pero su espíritu está en su obra, y en las canciones que dejó, que seguirán siendo interpretadas por muchas generaciones.

Fuente: Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM)

Nacido un 16 de septiembre de 1969 (Virgo) en Manhattan, en una noche de estrellas (segun sus padres). Su verdadero nombre es Marco Antonio Muñiz, que eligió su padre, Felipe, por el famoso cantante mexicano del mismo nombre,(con quien tambien comparte apellido) más tarde él se lo cambiaría a Marc Anthony para evitar confusiones.

Marc tiene siete hermanos y aunque sus padres se separaron cuando él era un adolescente, trata de mantenerse unido a su familia.

Marc tuvo una niñez normal y feliz llena de música, de reuniones de amigos y familiares, que se juntaban a conversar y cantar.

“Desde nene entendí la música, a veces me preguntaba por qué Papi cantaba y escuchaba canciones tan tristes, pero luego de adolescente lo entendí. Además eran esos boleros que ahora adoro y que me hacen vibrar”, comentó Marc Anthony a la revista People.

El cantante reconoce haber sido un hombre de sentimientos intensos y de una gran debilidad por el sexo femenino, aunque le molesta que le pregunten de su vida privada.

“No me gusta que me pregunten con quién estoy o con quién me acuesto. Lo que pasa con mi vida privada es mío, lo que sí aseguro es que soy capaz de amar intensamente”, ha comentado.

Tan es así, que aún le resulta inolvidable recordar a la mujer que le hizo saltar el corazón de emoción por primera vez.

Tenía apenas 11 años, la chica le gustó tanto que emocionado fue a darle una serenata bajo su ventana; ella se asomó, escuchó la canción entera y luego le cerró la ventana sin decir palabra alguna.

Esa tarde no sólo vivió su primera desilusión amorosa, sino el despertar de su pasión por la música.

Johnny Colón, maestro de música del pequeño Marco Antonio, lo recuerda como un chico muy musical, talentoso e incapaz de perder un día de clases; sin embargo, le sorprendió la música a la que su alumno se dedicó.

“A él lo que le gustaba era el rock, nunca pensé que se iba a dedicar a la salsa,” comentó Colón.

Al parecer, este artista siempre supo lo quería. Con tan sólo siete años, Marc le pidió a su padre que lo inscribiera en la escuela de música de East Harlem. Para Felipe Muñiz esto fue una bendición, porque siempre soñó con ser cantante.

Su orgullo de padre creció al saber que su hijo era uno de los mejores de la clase, por lo que le brindó todo su apoyo.

“Mi papá me ha influenciado en todo, en mi forma de interpretar, de vivir sano, en mi filosofía. Papi me crió cantando. El era cantante, músico y compositor y tuvo que dejar eso de lado para trabajar y mantenernos.

“Por eso creo que Dios me puso en esto, para que él pudiera vivir su sueño en mí. Siempre viaja conmigo. Todas las satisfacciones que pueda darle se las daré sin pensarlo, ahora le toca a él”, afirma el intérprete.

En sus inicios Marc Anthony cantaba en inglés en clubes de la ciudad de New York, y se especializaba en música llamada “House Music”. También cantó con un grupo llamado “The Latin Rascals”, que trabajaban con un productor llamado Louis Vega. Cuando Vega firmó un contrato con Atlantic Records en 1991, le pidió a Marc que fuese el cantante. Ninguno de los discos tuvo éxito, pero uno llamado “Rebel”, se escuchó mucho en los clubes.

En 1992, el percusionista y director de banda, Tito Puente, invitó a Vega y a Marc a que abrieran su espectáculo en el Madison Square Garden. Después de cantar frente a una audiencia tan enorme, Marc perdió su apetito por los clubes. Su manager le sugirió que cantara en español, pero no estaba interesado.
Cuando era niño su padre invitaba músicos a su casa los Sábados, y tocaban hasta la medianoche, su padre lo ponía a cantar sobre la mesa, y a pesar que su repertorio consistía de una sola canción, “El Zolsar”, la cantaba con mucha fuerza.

De jovencito, Anthony escuchaba solo R&B y rock. En una ocasión estaba manejando y oyó en la radio una canción interpretada por Juan Gabriel. “La canción se llamaba “Hasta Que Te Conocí”, dice Anthony, “y me partió en dos, no se porque ni quiero saberlo. Llamé a mi manager y le pregunté si podía cantarla en ritmo de salsa”.

El éxito llegó de una forma tan vertiginosa, que Anthony lo describe de esta manera: “Vi mi vida totalmente cambiada”. En 1993, grabó la canción que escuchó en el coche. Su manager le organizó una presentación en una convención de música llamada Radio y Música. Como ganaba muy poco dinero, fue a la presentación con un DAT y la ropa prestada. La mayoría de los asistentes eran disc jockeys. Cuando Anthony subió al escenario solo se oyó el aplauso de una persona, le temblaban las manos en el micrófono. Cerró los ojos y empezó a imaginarse que estaba cantándole a su madre en casa, al terminar dejó el escenario tan rápidamente que su manager lo tuvo que parar y mostrarle la ovación del Público. Algunos de los disc jockeys ya estaban llamando a sus emisoras desde sus teléfonos celulares, para asegurarse que programaran el CD de Marc Anthony.

Ese mismo día, se presentó en un programa de televisión llamado “Carnaval Internacional”, que aparece en todo el mundo. “En un día, mi vida cambió para siempre”, dice. “Empecé a hacer giras, Panamá, Ecuador, Argentina. Puerto Rico, Miami, Los Ángeles. Me desperté una noche y no sabía donde estaba, llamé a mi hermano y le pregunté ¿Donde estamos?. Me dijo “Mira por la ventana”. Todo lo que vi fue una ciudad, cuando me di cuenta que era Tokio, me pregunté ¿Cómo sucedió esto?, no lo podía creer”.

Anthony fue el primer actor que Paul Simon contrató para actuar en “The Capeman”. Simon había ido a una tienda para comprar los discos de los mejores cantantes jóvenes de salsa. “Me vendieron los discos de tres cantantes”, recuerda Simon, “Pero cuando escuché el de Marc, me dije, este es muy bueno, en realidad es el mejor”. Al mismo tiempo que Anthony ensayaba para la obra de Broadway, se estaba lanzando el álbum “Contra La Corriente”, el cual superó el status de Disco de oro.

Debido a obligaciones no pudo promover el disco, entonces dio un concierto en el Madison Square Garden. Ningún cantante de salsa se había presentado en el Madison. Anthony llenó el teatro y repitió la hazaña el año siguiente.

Una de las sensacionales presentaciones en vivo de Marc Anthony, fue filmada para un programa especial de televisión de la cadena HBO: Marc Anthony: The Concert from Madison Square Garden, el cual fue transmitido el día de San Valentín del 2000. El especial fue producido y dirigido por Marty Callner para “Cream Cheese Productions,” quien anteriormente había producido, para HBO, especiales con Madonna, Garth Brooks y Jerry Seinfeld. El especial incluyó sus exitos en inglés pero también algunos temas de los albumes de salsa en español, los cuales lo han establecido como el cantante de salsa número uno en ventas en el mundo.

Marc Anthony ha logrado en total nueve discos de oro y platino: sus albumes “Contra La Corriente,” “Todo A Su Tiempo” y “Marc Anthony,” han obtenido discos de oro; con éste último obtuvo cuatro discos de platino, y los temas “I Need To Know” y “You Sang To Me” también recibieron discos de oro. Su album “Contra La Corriente” fue galardonado con un premio Grammy como Mejor Album Latino Tropical en 1998. Su disco “Desde El Principio,” un album con sus mejores éxitos de salsa, estuvo en la primera casilla de Billboard Latin 50 durante siete semanas, y de acuerdo con la firma SoundScan fue el album número 1 en el listado de ventas de albumes de música latina.

Sin embargo el éxito de Marc Anthony no se ha limitado al mundo de la música. El legendario músico Paul Simon lo escogió para participar en el musical de Broadway The Capeman. Marc también ha debutado en la pantalla grande representando papeles importantes en las películas Bringing Out the Dead, dirigida por Martin Scorsese, y Big Night dirigida por Stanley Tucci. Marc también actúo en las películas The Substitute y Hackers.

Las obligaciones adquiridas con el musical The Capeman, impidieron que Marc pudiera promover su tercer album de salsa “Contra La Corriente” durante su periodo de lanzamiento (aún así éste obtuvo un disco de oro inmediatamente). Para despedirse temporalmente de la salsa Marc ofreció un concierto en el Madison Square Garden. Ningún cantante de salsa había reservado éste escenario anteriormente, excepto como parte de una revista musical. Marc logró agotar todas las entradas – a partir de entonces el cantante habría de repetir lo mismo cada año.

Durante el invierno y el verano del 2000 Marc realizó una gira musical a lo largo y ancho de Norteamerica, agotando localidades y deleitando a grandes multitudes con una serie de conciertos muy exitosos.

En lugares donde se habla español, y especialmente en Puerto Rico, Marc es considerado un verdadero ídolo. Una reseña de su concierto publicada en “El Nuevo Día,” el diario número uno de Puerto Rico, lo califica como “profeta en su tierra”. Así mismo en una reseña publicada en The New Yorker, un residente de Harlem dijo que Marc “Es como una llama de fuego que camina”.

Maduro (“mucho más maduro que nunca antes en mi vida” dice), el delgado y menudo cantante está montado en una ola de fama y fortuna que lo lleva cada día a planos más altos. ¡Y todo esto acompañado del respeto y admiración de la industria de la música internacional!

Marc canta “con el corazón tanto en inglés como en español” y su triunfo en ambos idiomas y ambos mercados, con total naturalidad y sin que uno descuide al otro, o sea más importante que el otro, es motivo de comentario. “Marc sí que lo ha hecho bien, pues es igual de admirado entre anglos como hispanos. Y para él ambos públicos son igual de importantes.”.

¿Y el secreto de su “sex appeal”? Marc ríe cuando se le menciona y casi lo quiere obviar con un gesto. Quizá se deba a que cuando tenía 15 años un día su papá le dijo bien claro, “Mi hijo, eres feo, así que concéntrate en tener una buena personalidad”. Y explica que a partir de ese día desarrolló una gran confianza en sí mismo y “trabajó″ en su carácter. “Puede ser que éso sea lo que la gente encuentra sexy”- explica sin vanidad alguna-”Tengo mucha confianza en mí mismo y creo que esa confianza es algo sexy..¿No crees?”

A pesar de que se le ha ligado sentimentalmente con distintas mujeres.
Tiene 3 hijos. el bebé Ryan, su hermanito Christian (que cada dia se parece mas a su papá) y su primogenita, Arianna Muñiz, (nacida de su noviazgo de cuatros años con una policía de Nueva York, Debbie Rosado). La ruptura de esta relación dejó marcadas cicatrices en el corazón del intérprete, sobre todo por lo que significaba separarse de su pequeña.

“Mi hija es todo, no sé cómo explicarlo, ella es mi vida, mi inspiración más grande. Si la vieran con mis zapatos, cómo me envuelve con sus palabras, es maravillosa y yo la amo con toda mi alma; a ella le escribí My Baby You”, afirma.

Y después de proclamar a los cuatro vientos que estaba solo y no tenía planes cercanos de bodas, llegó la otra mujer de su vida… Dayanara Torres. (ex miss universo 1995). El 10 de mayo del 2000 Marc Anthony se casó con la ex Miss Universo puertorriqueña en Las Vegas. Tras una separacion amistosa, regresaron para contraer matrimonio, esta vez religioso y por todo lo alto (fue una de las bodas del año) en la Catedral de San Juan de Puerto Rico.

E igual de sonado fue su divorcio y posterior boda secreta con Jennifer Lopez, el que dicen es su gran amor de juventud. Marc prefiere no hablar de ello “mis cosas privadas son mias, no crean todo lo que lean”.

Cantante y también excelente actor de cine lo que “le fascina cada día más”. Sus ultimos trabajos son junto a Salma Hayek en “El Tiempo de las Mariposas”. Y su ultima pelicula “Man on fire” junto a Denzel Washington (un exito para Marc segun la critica) y ha sacado 2 nuevos discos, ambos en español: Amar Sin Mentiras y Valio la Pena, de baladas y de salsa. Asi como planea una super gira tras el verano y 3 nuevas peliculas.

Fuente: FanMusical.net

Cantante y Compositor

Fecha de nacimiento: 1ero. de enero de 1922

Lugar: Coamo, Puerto Rico

Falleció el 18 de diciembre de 1989

Compositor, cantante, director de televisión y funcionario público. Su nombre de pila era Félix Manuel Rodríguez Capó. Natural de Coamo, al finalizar sus estudios de escuela superior, se mudó a San Juan para probar suerte en el mundo del espectáculo. Participó en el programa de aficionados que mantenía Rafael Quiñones Vidal, de donde se graduó. Su internacionalización comenzó cuando otro artista puertorriqueño, Pedro Ortiz Dávila (Davilita), abandonó el Cuarteto Victoria que dirigía Rafael Hernández y Bobby lo sustituye.

Tras su salida del cuarteto Victoria el cantante adoptó a Nueva York como su residencia y base de operaciones. En plena década del 40, se convirtió en un ídolo en Cuba, y su fama trasciende rápidamente por el mundo hispano. Formó parte de la orquesta del reconocido músico Xavier Cougat, pero fueron sus grabaciones como solistas las que le dieron fama internacional.

Considerado uno de los pioneros de los cantautores hispanos, entre sus composiciones se detascan “Piel canela”, “El negro bembón”, “El bardo”, “Luna de miel en Puerto Rico”, “Sin fe”, “Triángulo” y “María Luisa”. La nostalgia por el lar nativo le inspiró clásicos como “Soñando con Puerto Rico” y también lo llevó a hacer denuncias con canciones como “Despierta borincano”.

Su dominio de géneros musicales fue impresionante. Su composición “Llorando me dormí” ha sido reconocida como la primera balada escrita por un puertorriqueño. Esta trascendió internacionalmente en medio de la invasión de la Nueva Ola en la década del 60. Para esos años su composición “Jacqueline”, dedicada a la entonces primera dama de los Estados Unidos, Jacqueline Kennedy Bouvier, causó controversias en México.

Entrada la década del 70, Bobby trabajó en la Oficina de Puerto Rico en Nueva York, en la División de Migración y finalmente en la Junta de Libertad Bajo Palabra.

Falleció el 18 de diciembre de 1989.

Fuente: Fundación Nacional para la Cultura Popular (San Juan, Puerto Rico)

Nació en Castejón, un pueblecito a 50 kilómetros de Cuenca, España, el 18 de enero de 1945, en el seno de una familia cristiana tradicional. Ya desde muy pequeño mostró devoción por la música aprendiendo a solfear con un antiguo maestro, lo que le llevó a poder tocar el laúd con tan sólo 6 años.

A la edad de 16 años y llegada la hora de cursar estudios, su padre le consiguió una beca para la Universidad Laboral de Sevilla, donde se desplazó para estudiar maestría industrial en electricidad y vivir allí su juventud. Se apuntó a la tuna y conoció a unos chicos que le enseñaron a tocar cinco o seis acordes de guitarra, que son los mismos con los que se sigue manejando. A veces, reconoce, que quizás por ser tan elemental es por eso por lo que su música llega a tanta gente y cala en tantos corazones; prefiere tocar la guitarra a intentarlo con el piano.

Fue escuchando la radio cuando se vio motivado para componer una canción, nació así una de sus primeras melodías, Niebla, aún poco madura, pero que marcaría el principio de un largo camino, donde José Luis vio claro cual sería su verdadera dedicación durante el resto de sus días: la música.

A pesar de ello, tenía una beca y tuvo que proseguir con sus estudios.

Nada más terminada la maestría industrial se desplazó a Madrid para completar sus estudios con los de peritaje, que compaginaba a la vez con su trabajo de electricista y sus composiciones, que ya acumulaba en decenas, esperando por la llegada de algún cantante interesado en sus canciones.

Tras una interpretación en una fiesta alguien le ofreció grabar y probar fortuna, que le llegaría más adelante como compositor, puesto que como cantante no le gustaba al director de una conocida firma, de todas maneras, era lo que él quería, componer, lo de cantante (fama, escenarios, televisión, etc…) no era su espejo, además podría ocasionarle problemas a su relación amorosa.

Para aquel entonces ya había conocido, en el trabajo, a la que es ahora su mujer, Manuela, tan imprescindible en su vida, como él mismo dice: “…yo, si no fuera por Manuela estaría perdido.” Descubrimos aquí a un Perales enamorado, tierno y enfermizamente fiel a su enamorada. Juegan así dos mujeres un papel muy importante en su vida: su madre Mariana (motor de su carrera, puesto que era ella la que le buscaba sus primeros auditorios, a veces entre la gente de su pueblo) y Manuela (voz crítica de sus canciones).

Es a raíz de conocer a Rafael Trabucchelli (1970), principal productor discográfico de España en esa época, cuando la vida de Perales da un giro radical. Trabucchelli le propone cantar, a lo que Perales se resiste todo lo que puede, puesto que ante todo esta su vocación familiar, la vida de hogar y sus celos por su intimidad. Perales compone “¿Porqué te vas?” y en boca de Jeanette, se consiguen vender en un año cuatro millones de copias en todo el mundo, de tal forma que Carlos Saura incluyó ese tema en la película “Cría Cuervos”. Un éxito.

Con este hecho, Trabucchelli persuade definitivamente a Perales para que cante, hecho que José Luis califica como accidental pero que le salió bien, puesto que su primer long-play del 73-74, en el que destacaban “Celos de mi guitarra”, fue todo un éxito en España y Latinoamérica.

Pero como todo lo bueno no es un camino de rosas, pronto empezaron las complicaciones, por lo que José Luis tuvo que dejar su trabajo por problemas de incompatibilidades y dedicarse por completo al mundo de la canción, además le horrorizaba depender del escenario y de la crítica…era ante todo un hombre cuyos intereses primarios se centraban en su familia y su hogar. Él mismo ha dicho: “Manuela y yo hemos padecido grandes soledades por todo ello”.

Después se fue a vivir a Cuenca, donde construyó su hogar, y a Madrid, cuando sus dos hijos adolescentes (Pablo y María) se fueron a estudiar a la universidad, apartándose un poco de su actividad para dedicarse por completo a sus hijos. Siempre fiel a sus raíces, tiene una casa en Castejón y otra casa de campo a la que llama <>, también cerca de Castejón donde suele retirarse a componer.

Es así como se ha forjado la vida de uno de los cantantes y compositores mas prolíficos de la industria discográfica española con más de 450 canciones registradas en la Sociedad General de Autores de España (SGAE), un hombre de rostro afable, palabra suelta y sonrisa fácil, que no se considera ni músico ni cantante, pese al reconocimiento que han tenido sus dos talentos. Con 30 años en el mundo de la música, ha recibido un premio amigo como “reconocimiento a su trayectoria artística”, ha grabado 27 discos y editado 50 millones de copias, ha compuesto canciones para los artistas más emblemáticos de este país, como Isabel Pantoja, Raphael, Miguel Bosé, Julio Iglesias, Rocío Jurado, Jeanette, Paloma San Basilio y hasta la Oreja de Van Gogh ha puesto voz a sus canciones. Ha recibido mas de 100 discos de oro y platino y ha pisado escenarios de Nueva York, Buenos Aires, Miami, Uruguay o México.

Desde siempre ha sido solidario con los mas desfavorecidos, por lo que colabora con las Aldeas Infantiles SOS cediendo los derechos de una de las canciones de cada disco a esta organización.

Fuentes: http://www.joseluisperales.net 

              http://www.megustaperales.com 

Édith Piaf (París, 19 de diciembre de 1915 – Plascassier (Grasse, Alpes Marítimos), 10 de octubre de 1963), cuyo verdadero nombre era Édith Giovanna Gassion, es una de las cantantes francesas más célebres. Sus restos fueron llevados a París, lugar en que se anunció oficialmente su muerte el 11 de octubre de 1963.

Edith Piaf nace debajo de una farola frente al número 72 de la rue de Belleville en París, de padre acróbata, Louis Alphonse Gassion (nacido en Castillon en la región de Calvados en Normandía el 10 de mayo de 1881) y de madre cantante ambulante, Annetta Maillard (1895-1945), de origen italo-argelino.

Siendo pequeña, su madre, demasiado pobre como para criarla, la confía a su abuela materna, Aïcha Saïd Ben Mohammed (1876-1930) originaria de Cabilia, quien a su vez la entrega a su padre, a punto éste de ir al frente en la Primera Guerra Mundial. Él la deja con su abuela paterna (que regenta una casa de prostitución en Bernay, Normandía) donde Édith es criada por las prostitutas de la casa.

Al finalizar la Primera Guerra Mundial, su padre vuelve del frente y la lleva consigo a vivir la vida de los artistas de los pequeños circos itinerantes, y luego la del artista ambulante, independiente y miserable. Édith revela su talento y su excepcional voz en las canciones populares que canta en las calles junto a su padre, tal como su madre lo hacía.

En 1933, a los 17 años, tiene una hija con su amante Louis Dupont, llamada Marcelle, que desgraciadamente muere de meningitis a los dos años de edad, en 1935.

En 1935, es descubierta en la calle por Louis Leplée, gerente de un cabaret de moda, el Gerny’s, situado en la avenida de los Campos Elíseos. La invita a presentarse con el nombre artístico de la niña Gorrión (“la Môme Piaf”) debido a que era de pequeña estatura (1.47 m) como un gorrión. Sus presentaciones fueron todo un éxito, y su talento y su voz extraordinarios son destacados, entre otros, por el compositor Raymond Asso y su futura fiel amiga Marguerite Monnot, compositora y pianista virtuosa, quien la acompañará durante toda su carrera y compondrá para ella la música de Mon légionnaire, Hymne à l’amour, Milord (canción) y Amants d’un jour.

Firma un contrato con Polydor y graba su primer disco en 1936: les Mômes de la cloche (“los niños de la campana”; cloche, en argot, es el nombre genérico de los mendigos parisinos). Ello la convierte en un éxito mediático de forma inmediata. Pero en abril de ese año Louis Leplée es asesinado en su domicilio. Esto revela que él formaba parte de los bajos fondos del barrio parisino de Pigalle, lo que precipita a Édith al centro del escándalo y el linchamiento mediático, y la envía nuevamente al lugar de donde vino: la calle y los pequeños cabarets miserables.

Vuelve a tomar contacto con el compositor Raymond Asso (autor de Mon légionnaire y Le Fanion de la Légion, creadas por Marie Dubas en 1935, que Piaf retoma a inicios de 1937). Asso se convierte en su Pygmalion y amante, y la prepara para ser una cantante profesional del Music-Hall.

En marzo de 1937, Édith debuta en el music-hall en el teatro ABC de París. Se convierte inmediatamente en una estrella de la canción francesa, adorada por el público y difundida por la radio.

En 1940 se presenta con éxito en la obra teatral Le Bel Indifférent, que Jean Cocteau escribió para ella. También comienza una carrera cinematográfica con la película Montmartre sur Seine, de Georges Lacombe.

En la primavera de 1944 se presenta en el Moulin Rouge, donde el joven cantante de Music-Hall Yves Montand forma parte importante del espectáculo. Se produce un flechazo entre los dos artistas y Édith Piaf, ya célebre y adulada devoradora de hombres, se propone iniciar a su nuevo amante en los trucos del oficio y de la vida de artista. Lo presenta a las personas más importantes de la época en el mundo del espectáculo: Joseph Kosma, Henri Crolla, Loulou Gasté, Jean Guigo, Henri Contet, Louiguy, Marguerite Monnot, Bob Castella, Francis Lemarque…

Durante la guerra, Edith Piaf cantaba en los clubes y music-halls, en donde conoció a su contemporánea alemana Ilona Hesse, y ayudaba a los prisioneros a escapar. Tras la guerra, en 1945, escribe la letra de La vida en rosa, su canción más célebre, que interpreta en la Comédie-Française.

Yves Montand, por su parte, se convierte en una estrella del music-hall. Montand debuta en el cine junto a Édith Piaf en Étoile sans lumière, para luego obtener su primer papel protagonista en Les portes de la nuit de Marcel Carné. Ambos parten en gira el año 1946, en el cual se separan.

En 1948, mientras está en una gira triunfal por Nueva York, vive la historia de amor más grande de su vida con un boxeador francés de origen argelino, Marcel Cerdan, quien ganó el campeonato mundial de peso medio el 21 de septiembre de 1948 y murió en un accidente de avión el 28 de octubre de 1949 en el vuelo de París a Nueva York en el que viajaba para ir a su encuentro. Abatida por el sufrimiento, Édith Piaf se vuelve adicta a la morfina. Ella cantó su gran éxito Hymne à l’amour en su memoria y, además, este noviazgo originó la película Édith et Marcel.

Aparte del mencionado, son varios los romances de Edith Piaf. Los más conocidos fueron con Marlon Brando, Yves Montand, Charles Aznavour, Théo Sarapo y Georges Moustaki.

En 1951, el joven cantautor Charles Aznavour se convierte en su secretario, asistente, chófer y confidente.

El 29 de julio de 1952 se casa con el célebre cantante francés Jacques Pills, según el testimonio de la actriz Marlene Dietrich. Se divorcian en 1956.

Comienza una historia de amor con Georges Moustaki (“Jo”), a quien Edith lanza a la canción. A su lado tuvo un grave accidente automovilístico el año 1958, lo que empeora su ya deteriorado estado de salud y su dependencia de la morfina.

Edith se convierte también en una especie de icono parisino y en la musa de los existencialistas. En la década de 1950, Piaf era famosa en muchos países. El público norteamericano la consagró en 1956 en el Carnegie Hall de Nueva York, al que regresó con frecuencia, tras iniciar ese mismo año una cura de desintoxicación.

En 1958 graba la canción Milord, que se convertirá en uno de sus enormes éxitos mundiales.

En 1959, Édith se desploma en escena durante una gira en Nueva York. Tuvo que soportar numerosas operaciones quirúrgicas. Volvió a París en un penoso estado de salud y sin su marido Georges Moustaki, que la había abandonado.

En 1961, Édith Piaf, a petición de Bruno Coquatrix, ofrece una serie de conciertos, tal vez los más memorables y emotivos de su carrera, en el Olympia de París, local que estaba bajo amenaza de desaparecer por problemas financieros. Es en ése, su salón de espectáculos favorito, en donde interpreta la canción Non, je ne regrette rien, canción que, compuesta para ella por Charles Dumont, se adapta perfectamente a su persona. Con ello salva al Olympia.

A esas alturas, estaba muy enferma para tenerse en pie, y se mueve y canta sólo con importantes dosis de morfina.

El 9 de octubre de 1962, a los 46 años de edad, hastiada, enferma y adicta, se casa con Théo Sarapo, cantante joven y apuesto de 26 años, y declara que tiene la impresión de que es como un hijo que cuida a su anciana madre enferma. Cantan a dúo, entre otras, ¿De qué sirve el amor?.

A principios del año 1963, Édith graba su última canción L’Homme de Berlin.

El 10 de octubre de 1963, Édith Piaf fallece en Plascassier a los 47 años de edad, por causa de la cirrosis. El transporte de sus restos mortales fue organizado de forma clandestina.

Su fallecimiento fue anunciado oficialmente el 11 de octubre, el mismo día en que muere su amigo el cineasta Jean Cocteau. Su entierro tiene lugar en el cementerio Père Lachaise, en París, con el homenaje de una inmensa multitud de admiradores. Charles Aznavour declaró que desde la Segunda Guerra Mundial no se había detenido de esa manera el tráfico de toda la ciudad.

Se dice que Jean Cocteau (con el cual Édith mantenía en ese entonces una asidua correspondencia) fallece al enterarse de su muerte. Pero es posible que ella haya fallecido en realidad un día antes y que adrede se haya cambiado la fecha de su fallecimiento, precisamente para poder confirmar esa versión.

Su último marido, Théo Sarapo, muerto en un accidente automovilístico en 1970, es enterrado con ella en la misma tumba.

De extraordinaria personalidad, Édith Piaf sigue siendo una de las cantantes francesas más conocidas en el mundo. Además, dio a conocer con gran éxito a muchos cantantes franceses.

El Museo Edith Piaf, dedicado a su memoria, se encuentra en la calle Crespin du Gast, en el distrito XI de París.

Los éxitos musicales de Édith Piaf

• 1937 : Mon légionnaire, letra de Raymond Asso y música de Marguerite Monnot.
• 1940 : L’Accordéoniste, letra y música de Michel Emer.
• 1946 : Les Trois Cloches con Les Compagnons de la chanson, letra y música de Jean Villard Gilles.
• 1946 : La Vie en rose, letra de Édith Piaf, y música de Louiguy y Marguerite Monnot (no acreditada).
• 1950 : Hymne à l’amour, letra de Édith Piaf y música de Marguerite Monnot.
• 1951 : Padam… Padam…, letra de Henri Contet y música de Norbert Glanzberg.
• 1952 : Mon manège à moi, letra de Jean Constantin y música de Norbert Glanzberg.
• 1954 : Sous le ciel de Paris, letra de Jean Dréjac y música de Hubert Giraud, de la película Sous le ciel de Paris de Julien Duvivier.
• 1956 : L’homme à la moto, adaptación de Jean Dréjac del rock americano Black denim trousers and motorcycle boots de Jerry Leiber y Mike Stoller.
• 1956 : Les amants d’un jour, letra de Claude Delécluse y Michelle Senlis, y música de Marguerite Monnot.
• 1957 : La Foule, letra de Michel Rivegauche, versión francesa de la canción Que nadie sepa mi sufrir compuesta por los argentinos Ángel Cabral y Enrique Dizeo.
• 1959 : Milord, letra de Georges Moustaki, música de Marguerite Monnot.
• 1960 : Non, je ne regrette rien (No, no me arrepiento de nada), letra de Michel Vaucaire, música de Charles Dumont.

Su canción Hymne à l’amour (Himno al amor) es la base de la película Toutes ces belles promesses, de Jean-Paul Civeyrac.

Linda Ronstadt (Linda Susan Marie Ronstadt) nacida el 15 de julio de 1946 en Tucson, Arizona, es una cantante estadounidense, cercanamente asociada al género country y rock prevalente en la década de 1970; pero se la conoce mejor por interpretar canciones de otros autores.

Aunque comenzó su carrera de cantante grabando música folclórica con su banda The Stone Poneys desde mediados y hasta el final de la década de 1960, ha sido acreditada como una artista solista, cantando diversos géneros, desde el más tradicional country al rhythm & blues, incluyendo entre otros new wave, ópera y mariachi

Su éxito está relacionado con su propio talento y por la influencia que obtuvo de artistas como: Emmylou Harris, Dolly Parton, J.D. Souther, The Eagles, Andrew Gold, Kate and Anna McGarrigle, Paul Simon, Mark Goldenberg, Michael Montalbano, Karla Bonoff, Aaron Neville, James Taylor, Warren Zevon, Maria Muldaur, Nicolette Larson y Elvis Costello. Su reputación a través de la década de 1970 le vino de trabajos con algunos de los músicos más respetados del rock contemporáneo y por tener su fuerte y propio sentido de la disciplina.

Algunos de sus éxitos mejor conocidos son versiones de canciones de: Zevon, Costello, Souther, the Rolling Stones, Mel Tillis, Tom Petty & the Heartbreakers, the Everly Brothers, George Jones, the Flying Burrito Brothers, Little Feat, Neil Young, the Miracles, Betty Everett y Buddy Holly and the Crickets.

Su trabajo con el productor Peter Asher desde 1974 hasta la década de 1980 resultó en un éxito comercial. A finales de la década de 1970 ya había obtenido ocho premios de oro y cuatro de platino. Frecuentemente se la mencionaba como “la mujer mejor pagada del rock” capaz de dirigir conciertos al aire libre, en ruedos que alojaban a miles de admiradores, a pesar de usar simples escenarios.

En 1977, apareció en la cubierta de la revista Time bajo el cartel “Torchy rock”. Ha aparecido en la cubierta de la revista Rolling Stone 6 veces. Su éxito fue propulsado al final de la década de 1970 por su relación con el entonces gobernador de California, Jerry Brown. Su romance se convirtió en el tema de muchos artículos de revista y en la portada de un semanario en 1979. En la década de 1980 tuvo una larga relación con el director George Lucas. A pesar de su asociación con varias celebridades masculinas a través de los años, nunca se casó, pero adoptó a dos niños.

A finales del 2005 ya había ganado 3 álbumes número 1 en la Billboard 200, un single número 1 en la Billboard hot 100 los 10 mejores álbumes y los 10 mejores singles. Sus álbumes grabados en estudio de mayor venta son: su tirada de 1977 de Simple Dreams, el conjunto What’s new y su tirada de 1989 de “Cry Like a Rainstorm, Howl Like the Wind” cada una premiada por la Recording Industry Association of America por haber vendido 3 millones de unidades. Su álbum de mayor ventas de todos los tiempos es la compilación “Greatest hits” de 1976, premiada siete veces con platino en el 2001. Además ha sido premiada por la RIIA por los 30 millones de copias de singles y álbumes vendidos, y ha ganado 10 premios Grammy en estilos como: pop, country, música latina, tropical y méxico-estadounidense. Reside en una urbanización al noroeste de Tucson, Arizona, conocida como SweetWater.

Linda Ronstadt nació en Tucson, Arizona de un padre de ascendencia alemana y una madre holandesa descendiente de judíos ingleses. Su bisabuelo Frederick Augustus Ronstadt fue un inmigrante alemán de Hanover que se casó con una dama méxico-estadounidense, con la cual tuvo varios hijos. Su abuelo se llama Federico José María Ronstadt.

Cuando era una estudiante en la Arizona State University en Tempe, conoció al guitarrista Bob Kimmel. El duo se mudó a Los Ángeles donde el guitarrista y cantautor Kenny Edwards se unió a la pareja. Con el nombre de The Stone Poneys, el grupo se convirtió en una atracción taquillera en el circuito de folk de California, grabando su primer álbum en 1967. Entró por primera vez en las listas en 1967 con un single como la voz principal de los Stone Poneys con la canción, “Different Drum” escrita por el miembro deThe Monkees, Michael Nesmith. Su primer éxito single en solitario vino en 1970 con su single “Long, Long time”. Consiguió su mayor éxito comercial durante la década de 1970 con una cadena de álbumes platino, al desramificarse del sonido del country rock primario, para incluir rock más convencional, ocasionalmente versionando clásicos primarios de la década de 1950 y principios de la década de 1960.

El año de despegue fue 1974, cuando grabó una serie de éxitos comenzando con el single “You’re no good” seguido por When Will I Be Loved, Heat Wave, That’ll Be the Day, y It’s So Easy. Alcanzó el número 1 en las listas de Billboard magazine en 1974, con su álbum Heart Like a Wheel, seguido con el álbum número 1 Simple Dreams en 1977 y Living in the U.S.A. en 1978. En 1980 lanzó un álbum de versiones new wave de artistas como Elvis Costello y The Cretones, un álbum que entró en la Billboard album charts en los 5 principales su primera semana y continuó su racha de éxitos con Hurt So Bad, How Do I Make You, y I Can’t Let Go“.

Durante este periodo ella fue quizás el principal Sex symbol en la música rock, alcanzando su pico de atención en 1976 cuando la revista Rolling Stone publicó una colección de fotografías tomadas por Annie Leibovitz. Posteriormente Ronstadt comentó que se sentía aturdida por éste nivel de atención.

En adición a los éxitos pop-rock recibieron bastante atención de la crítica, su popular version del éxito de Roy Orbison, Blue Bayou y los duetos con Aaron Neville. Su larga carrera de cantante se había llenado con una ecléctica mezcla de grabaciones, incluyendo estilos de Big Band, rancheras mexicanas, un álbum de música latina, un álbum de Música country de los viejos tiempos y un álbum de clásicos de rock. La grabación de 3 álbumes de estándares pop con Nelson Riddle ayudó a iniciar un renacimiento de esa forma entre el público más jóven a principios y mediados de la década de 1980. Después de aparecer en la movida de Broadway en 1983, co-protagonizó con Kevin Kline y Angela Lansbury el filme “The Pirates of Penzance”, una película basada en una opereta de Gilbert y Sullivan. En 1987 ella, Dolly Parton y Emmylou Harris grabaron su tan esperado álbum “Trio”, el cual habían concebido hacía 10 años, según la opinión de la crítica. El álbum ganó un Grammy y engendró 4 singles top-ten del country, el cual continuaron con un segundo álbum “Trio 2″ en 1999.

Mostrando de nuevo su versatilidad, en 1996 grabó Dedicated to the One I Love, un álbum de música para niños. En una carrera de cuatro décadas, ha grabado más de cuarenta álbumes, el último con el retorno a sus raíces con baladas pop-rock.

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Lila Downs (1968 en Heroica Ciudad de Tlaxiaco, Oaxaca, México) es una cantante mexicana. Compositora y cantante especializada en música mexicana y de pueblos indígenas mexicanos entre ellos el mixteco, zapoteco, maya y náhuatl además de las músicas regionales de México, en especial Oaxaca.

Lila es hija de la cantante de Cabaret Anita Sánchez y de Allen Downs, un profesor de cinematografía escocés-americano de Minnesota. Vivió parte de su vida en Oaxaca, México, así como en California, Estados Unidos, como adolescente y como adulta en Minnesota. Obtuvo la Licenciatura en canto y antropología en la Universidad de Minnesota, y posteriormente realizó estudios similares en la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca.

Más tarde regresó a México, donde comenzaría a cantar en clubes de Oaxaca, y en Philadelphia con el apoyo de Paul Cohen, un saxofonista norteamericano que le ayudaría en sus producciones discográficas hasta el momento en que contrajeron matrimonio y que sería su director artístico a partir de entonces.

Recientemente ella y su esposo se han dedicado al viaje en América Latina y Europa. Colaboró en el Soundtrack de la película Frida en el disco Burn It Blue, que fue nominado en la 75 edición de los Premios Oscar. Algunas de sus canciones más exitosas han sido Sueño y bendición, Estrella oscura y La Llorona. Actualmente vive en Coyoacán, en la Ciudad de México.

Discografía

Pascual Antonio Aguilar Barraza, hijo de Jesús Aguilar y María de los Ángeles Barraza, nació el 17 de mayo de 1919 en la Cd. de Villanueva, Zacatecas, donde creció en la hacienda de Tayahua.

Su madre cantaba en el coro de la iglesia, por lo que Antonio creció cerca de la música y muy pronto se enamoró de ella, de manera que tomó la decisión de que le dedicaría su vida.

Después de afanarse durante su adolescencia por acercarse lo más posible a la música, cuando nacía la década de los 40 consiguió irse a Hollywood para estudiar canto y arte dramático. Algunos años después regresó a su país para continuar con su preparación artística, y logró perfeccionar su voz al grado de interpretar óperas.

Así llegaron los años 50, cuando no sólo se inició profesionalmente como cantante, sino también como actor. Su primer papel importante lo obtuvo en el film El casto Susano, en el año de 1952, y al año siguiente fue contratado por Filmex para realizar una docena de películas.

Para el año de 1956 llegó su primera oportunidad estelar en la película Tierra de hombres, de Ismael Rodríguez, y a partir de ahí su carrera despegó en grande. Sus comedias rancheras se volvieron inmortales, así como su caracterización de los personajes históricos Felipe Carrillo Puerto y Emiliano Zapata.

Sus películas más destacadas son: Ahora soy rico (1952), La cama de piedra (1957), La cucaracha (1958), Ahí vienen los Argumedo (1961), El alazán y el rosillo (1964), Peregrina (1972), Albur de amor (1979) y Astucia (1985).

De manera paralela a su carrera cinematográfica, Antonio Aguilar desarrolló su carrera musical: interpretaba canciones rancheras de la época de la Revolución Mexicana y de otros temas populares, varias de las cuales eran de su propia autoría, como Chubasco, Busca otro amor, El retozón y Mujer engrandecida, además de Alta y delgadita y A medias de la noche, que compuso en coautoría con Guillermo Acosta Segura.

Su faceta musical despuntó y grabó 163 discos, de los cuales se vendieron más de 25 millones de copias. De entre sus grandes éxitos como intérprete destacan: Ay, Chabela, El Aventurero, Corrido de Lucio Vázquez, Caballo de patas blancas, Tristes Recuerdos y Caballo Prieto Azabache.

Además de gran actor y cantante, el legendario “Charro de México” fue un gran amante de los caballos, por lo que realizó múltiples presentaciones de espectáculo ecuestre acompañado de su esposa, la también actriz y cantante Flor Silvestre. De la misma manera participó en la recaudación de fondos para diversas organizaciones sociales.

Uno de sus mayores reconocimientos fue el haber sido nombrado Gran Mariscal del Desfile de la Independencia de México, en Los Ángeles, California, donde le entregaron las llaves de la ciudad en los años de 1973, 1974 y 1996.

Antonio Aguilar falleció en la Ciudad de México el 20 de junio del 2007, a la edad de 88 años. Sus restos reposan en la catedral de la ciudad de Zacatecas, Zac.

Fuente: Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM).

Enrique Guzmán Yáñez nació un 9 de septiembre en el poblado de Platón Sánchez, Veracruz.

A sus 10 años de edad su familia se mudó a la ciudad fronteriza de Reynosa, Tamaulipas, en donde tuvo su primer acercamiento con la música italiana, la cual fue determinante en su camino hacia la composición.

Su primera canción fue El príncipe pobre, la cual compuso a los 13 años de edad, y para los 15 ya se presentaba en bares tanto de Reynosa como de McAllen, Texas, de manera que su voz y sus canciones se fueron conociendo poco a poco, a la vez que conquistaban el gusto del público.

En 1981 tuvo la oportunidad de participar en el festival Valores Juveniles, en el que resultó triunfador con el tema Si pudiera ser, y ese mismo año obtuvo el 1er. lugar en el Festival de Compositores, convocado por la XEW, con su canción Buscaré calor, la cual sería grabada por Alberto Vázquez. Al año siguiente, 1982, se posicionó entre los 10 finalistas del festival Rumbo a la OTI.

Para 1983 grabó su primer disco, con el nombre artístico de Edson; de este álbum se desprendió el exitoso sencillo Bruja, uno de los temas más queridos en su carrera. En 1984 obtuvo también su primer gran éxito como compositor con la canción Qué acabado se le ve, interpretada por Lupita D’Alessio, y poco después su tema Será al revés fue grabado por Valeria Lynch: es el único compositor mexicano al que le grabó.

El segundo disco de Edson llegó en el año de 1987, el cual incluía éxitos como La posible manera, Mi madre no está en casa y Soy de la calle.

En 1988 participó en el Festival OTI como compositor, con su canción La reina de los colibríes, interpretada por Mayté, quien por ello se hizo acreedora al premio como Revelación Femenina.

En el año de 1992 grabó su tercer disco, para el cual decidió cambiar su nombre artístico a Fato, palabra italiana que significa “buena fortuna”. La canción más exitosa de este nuevo disco fue Mi agenda, que era la que le daba título al álbum.

Para 1994 lanzó su cuarto disco, que fue el definitivo para colocarse en el gusto popular. La mayoría de sus temas resultaron exitosos: Cuando era niño, Y veme aquí, La posible manera, Sigue el aviso, que fue uno de los temas de la telenovela Buscando el paraíso; Lloraré esperaré, que también fue grabada en Brasil por Marcelo Augusto, y El monstruo.

Precisamente con la canción El monstruo se presentó en el Festival de Viña del Mar, en 1995, donde se convirtió en el único mexicano –hasta la fecha– en conquistar la prestigiada presea Gaviota de Plata: su premio fue como Mejor Intérprete en la categoría internacional.

En el año de 1998 participó de nuevo en el Festival OTI y obtuvo el 2o. lugar con el tema Te ofrezco mi mundo.

Poco después, Fato decidió retirarse por un tiempo de las grabadoras para concentrarse en la composición, y durante esa época produjo canciones que llegarían a convertirse en clásicos de la música mexicana contemporánea, como Por mujeres como tú.

En el 2000 ganó un Grammy Latino en la categoría de Mejor Álbum Mexico-Americano, por el disco Por una mujer bonita y el tema Perdóname, interpretado por Pepe Aguilar.

En el año 2001 llegó su quinto disco, Terrenal, en el que Fato sorprendió con un nuevo género, “mariachi alternativo”, que consiste en la fusión del pop italiano y el ranchero. De este disco destacan éxitos como Terrenal, Leña verde no enciende, con el que grabó un video al lado de Araceli Arámbula, y Si no regresas moriré, que grabó con Ninel Conde.

Para el 2003 lanzó su disco Bohemio con el alma, y en el 2004, Mis otros yo, producción en la que conjuntó diversos sonidos, desde la bachata pop hasta el funk.

En el 2005 inauguró su estudio de grabación, y ese mismo año recibió la presea Éxito SACM por Mi credo, como una de Las Canciones Más Escuchadas en el Año.

Y en el año 2007 dos grandes cantautores, Tiziano Ferro y Gianni Morandi, le grabaron por primera vez a un mexicano, en distintas producciones, pero la misma canción: Mi credo.

Las canciones de Fato que gozan de mayor popularidad son: Por mujeres como tú, Directo al corazón, Perdóname, Me vas a extrañar, Miedo y Eres mi credo, con el cantante que más composiciones le ha grabado, Pepe Aguilar; Después de tanto tiempo, con Antonio Aguilar; Si tú no vuelves, Duerme tranquila y El monstruo, con Alejandro Fernández; Y eso no es de hombres y Te regalo la lluvia, con Ana Bárbara; Háblame de amor, con Aída Cuevas; Será al revés, con Valeria Lynch; Qué acabado se le ve y Espejo, con Lupita D’Alessio; Ya no vives en mí, con Yuri; Con tal de verte feliz, con Pandora; Baila, con el 1er. Ragazzi; Alguien, con el 2o. Ragazzi; Ya no te quiero tener a medias y Si me necesitas, con Arturo Peniche; Ay qué rico es ser rico, con Cardenales de Nuevo León; Me enamoré de un ángel, con Liberación; Si no regresas moriré, con Guardianes del Amor; Perdón por qué, con Arrolladora Banda Limón; Esa chiquilla, Te sorprenderé y Quien me quiera, con José Julián, y Perdona mi franqueza, con Juan Valentín.

Otros grandes intérpretes que le han grabado son: El Chapo de Sinaloa, Palomo, Antonio Aguilar Jr., Horóscopos de Durango, Alberto Vázquez, Araceli Arámbula, El Poder del Norte, Arnulfo Jr., K-Paz de la Sierra, Ninel Conde, Tiziano Ferro y Mariana Seoane, entre varios más.

Uno de los temas que más satisfacciones le han dado al Mtro. Fato es Miedo, que cantó Pepe Aguilar y fue el tema del reality show Big brother.

Extraído de: Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM).

Luis Manuel Ferri Llopis, que de nombre artístico era Nino Bravo, (Aielo de Malferit, Valencia, 3 de agosto de 1944 – † Villarrubio (N-III), Cuenca, 16 de abril de 1973), fue un cantante español.

Nació en un pequeño pueblo valenciano, Ayelo de Malferit (Aielo de Malferit escrito en valenciano), pero se trasladó a Valencia a los pocos años. A los 16 años comenzó a trabajar en la joyería valenciana Casa Amat, en la que llegó a ser ascendido hasta maestro pulidor de diamantes.

Durante estos años compagina el trabajo con su afición al canto, fundando a finales de 1962 el conjunto “Los Hispánicos” con sus amigos Félix Sánchez y Salvador Aranda. El trío musical se hizo muy popular en el barrio de Sagunto, donde actuaron en numerosas presentaciones falleras, bailes y verbenas de la época, llegando a quedar finalistas en el concurso radiofónico nacional “Fiesta en España”. Sin embargo, sus compañeros de grupo deciden que el mundo de la música no es lo suyo y disuelven el conjunto.

Luis Manuel no se da por vencido y crea el quinteto “Los Superson” junto con Salvador Pelejero, Vicente López y los hermanos Pepe y Vicente Juesas. Este conjunto será el que le acompañará en todas sus actuaciones hasta el final de su carrera artística. Sin embargo, deben hacer un paréntesis en sus actuaciones por el servicio militar de Luis Manuel, que cumple en la Marina de Cartagena. A su regreso se emplea en una oficina, y realiza su presentación como cantante solista en el Festival de la Canción de Vall d’Uxò en 1968.

Realizó sus primeras galas y un recital en el Teatro Principal de Valencia que sólo le reportaron pérdidas. Posteriormente, la casa discográfica Fonogram le contrató por 4 años. Su primer sencillo se grabó con canciones de Manuel Alejandro: Como todos y Es el viento. Acude al festival de la canción de Barcelona con el tema No debo pensar en ti, donde fue eliminado.

Pero en el verano de 1969, Augusto Algueró le dio Te quiero, te quiero, canción que por distintas causas, aún teniéndola grabada el cantante Raphael y la cantante Lola Flores, no salieron al mercado. Nino consiguió con ella un éxito arrollador siendo elegida canción del verano. A Te quiero, te quiero le siguieron Noelia, Perdona, Mi gran amor, Esa será mi casa, Mi querida mamá, Voy buscando, Un beso y una flor, Libre, entre otras.

Toma parte en la selección para el Festival de Eurovisión en dos ocasiones. La primera es en 1970 con el tema Esa será mi casa, que no consigue pasar a la final donde ganó Julio Iglesias con Gwendolyne (como curiosidad los temas son cantados por dos intérpretes, Esa será mi casa es interpretado también por Franciska). La segunda y más recordada es actuando en el programa de Valerio Lazarov Pasaporte a Dublín, donde queda en segunda posición. La cantante Karina fue la elegida.

El 20 de abril de 1971 contrae matrimonio en secreto con María Amparo Martínez Gil. Luego viaja a Buenos Aires donde actúa en el canal 9 de esa ciudad, en un programa especial, junto con el cantante de tangos Argentino Ledesma; fue la única vez que se juntaron estos dos artistas.

El 24 de enero de 1972 nace su primera hija, a la que pone el mismo nombre que su madre. Poco después edita su tercer álbum, titulado “Un beso y una flor”, con el que obtiene gran éxito en España e Hispanoamérica.

En noviembre de 1972 participa en el Festival de la Canción de Río de Janeiro como representante español, donde logra empatar en el primer puesto con David Clayton-Thomas (Estados Unidos). La victoria le sería arrebatada injustamente por el presidente del jurado, Joseph Lee Zhito, que, al ser estadounidense, no podía votar por su propio país. Semanas después sale a la venta su cuarto álbum, titulado “Mi tierra”, en el que se incluye uno de sus principales hits: “Libre”.

El 14 de marzo de 1973 realiza su última actuación en Valencia, dentro del Parador 73 de las conocidas Fallas Valencianas. Allí canta, por primera y única vez, el Himno de Valencia ayudado por el público asistente. Los granadinos Jardines de Neptuno acogerían poco después la que sería la última actuación del intérprete valenciano.

La mañana del Lunes 16 de abril de 1973, Nino Bravo, acompañado de su guitarrista y amigo José Juesas Francés y del Dúo Humo, partieron temprano de Valencia hacia Madrid. Un mes antes, Nino Bravo, se había convertido en mánager del dúo y el motivo del viaje no era otro que acudir al estudio de grabación para que éstos “metieran” la voz para el single. Además del patricionio, Nino también tenía algunos compromisos menores con su propia casa de discos (Polydor-Fonogram) y el regreso estaba proyectado para el martes 17 por la noche.

Se había comentado realizar el viaje en avión (no sería la primera vez), pero finalmente por diversas circunstancias se decidió hacerlo en el coche recién adquirido de Nino, un BMW 2.800. Así, se alejaron de Valencia por la Carretera Nacional III (N-III) entre las 7:30 y las 8:00 hs.. Quedaban casi 400 km. por delante hasta la capital de España.

Casi dos horas después de viaje, pararon a repostar y almorzar en la localidad conquense de Montilla del Palancar, y antes de las 10:00 hs. prosiguen el camino, pero a pocos kilómetros, en el término municipal de Villarrubio una curva en el que ese mismo mes había sucedido un accidente mortal, el vehículo BMW 2.800 conducido por el cantante, se sale de la carretera por un despiste y da varias vueltas de campana.

Nino Bravo y los heridos fueron trasladados en varios vehículos de particulares a Tarancón, situado a 13 kilómetros. En un pequeño hospital de monjas mercedarias llamado Santa Emilia reciben las primeras curas y son trasladados con la única ambulancia de que dispone el pueblo a Madrid, cuya distancia rondaba entonces los 80 kilómetros. Sin embargo, a escasos kilómetros de la capital de España, el cantante fallecía finalmente, ingresando por tanto cadáver en el Centro Sanitario Francisco Franco de Madrid (actual Hospital Universitario Gregorio Marañón)

Las causas de la muerte nunca se han revelado oficialmente, todo apunta a posible neumotorax y a diversos politraumatismos sufridos en la zona abdominal, ya que aunque el coche tuviera cinturón de seguridad delanteros (la norma que obligó su uso es de 1974) es bastante probable que el cantante no lo llevara puesto.

Tras su muerte aparece un disco póstumo, titulado “…Y Vol. 5″, que incluye diez canciones grabadas semanas antes de su fallecimiento. Entre ellas se encuentra “América, América”, que se convirtió en todo un himno para sus admiradores americanos y en uno de sus grandes éxitos.

La figura de Nino Bravo reapareció con fuerza en el panorama musical de habla hispana en 1995, cuando se editó el álbum “50 Aniversario”. En esta producción discográfica se realizaron, gracias a la técnica, duetos entre el desaparecido artista y cantantes de éxito actuales. Pronto se convirtió en el disco de más éxito del valenciano, cuyas ventas se estiman en más de un millón de copias.

A raíz de la aparición de Internet, sus admiradores han realizado diversas propuestas, tales como la organización del Primer Encuentro de Fans, Amigos y Familiares de Nino Bravo, o el apoyo a la creación del Museo Nino Bravo en Aielo de Malferit, su localidad natal. En la actualidad, se están realizando gestiones para crear su Club de Fans Oficial, que llevará por nombre “Volver a empezar” como homenaje al club original que se extinguió con el fallecimiento del cantante.

En diciembre de 2007, se publicó en Valencia (España) el libro titulado “De Manolito a Nino Bravo”, escrito por Boro Aranda, en el que se cuenta la verdadera historia del origen y principio musical de Nino Bravo, en el primer grupo, Los Hispánicos, que formaron Manuel Ferri, Salvador Aranda y Félix Sánchez. Ediciones Generales de la Construcción. Valencia. 2007.